Calendario spettacoli

Il capitolo più bello delle stagioni del commissario Ricciardi: Il giorno dei morti.
Napoli, autunno 1931. Un autunno sferzato dalla pioggia. Una pioggia che non lava, ma ricopre di fango. Il commissario Luigi Alfredo Ricciardi avvia un’indagine non autorizzata sulla morte, apparentemente accidentale, di un orfano. Un’indagine che prende le mosse da un ricordo e procede a dispetto di ogni ragionevole ragione. Un’indagine che rischia di precipitarlo in un abisso di follia. Per una volta, non sarà l’ultimo pensiero della vittima a guidare i passi di Ricciardi, ma il silenzio assoluto di quel piccolo cadavere ad imporgli di inoltrarsi nuovamente nei gironi infernali delle passioni umane.
Note di regia
Il giorno dei morti é un libro spietato. Promette di portati all’inferno fin dalla prima pagina. E ti ci porta. Senza nemmeno una lusinga. Tuo malgrado. Non molla la presa, fino all’ultima riga. Devasta. Senza pietà. Tutto l’esercito dei buoni sentimenti, in rivolta sul fronte dell’ultima pagina, non riesce, però, a sconfiggere il rimpianto di essere arrivati alla fine. E non bastano, gli occhi verdi di Ricciardi, il sorriso buono di Maione, i rimbotti dolci di Rosa, la ruvida generosità del dottor Modo, né i sospiri, languidi e senza speranza, di Enrica e Livia, a sciogliere, in lacrime, quel nodo che stringe la gola.
Prendere un libro così e decidere di farne uno spettacolo teatrale è un’operazione che potrebbe avere molto a che fare con la follia. O con la sconsiderata presunzione. O con entrambe. Ma potrebbe anche avere a che fare con l’amore. Per i libri, per quel libro, per le parole che rimescolano il sangue e graffiano la coscienza. E l’amore, Ricciardi docet, è motore di ogni delitto. Nel nostro caso è stato l’amore ad uccidere prima la paura di rimettere in scena il commissario Ricciardi, poi il ritegno di smontare l’architettura perfetta del romanzo di Maurizio de Giovanni per adattarla alle esigenze teatrali, ed infine il terrore di non riuscire a restituire, su un palcoscenico, la potenza di quelle pagine.
Alla carneficina è sopravvissuto solo il desiderio di rinnovare una magia: quella della letteratura che si fa teatro. E il desiderio, talvolta, è persino più forte dell’amore.
Ci sono molti modi per mettere in scena un libro. Noi, da sempre, scegliamo quello, apparentemente, più semplice: smontarlo e ricomporlo avendo cura che la ricucitura sia così lieve da essere impercettibile. Il rispetto del testo e la teatralizzazione di parole scritte per essere lette, non recitate, rappresentano il tratto più impervio del nostro percorso. Ancora una volta abbiamo provato a procedere con il solo sostegno della scrittura scenica, consapevoli del rischio, ma determinati a non contaminare uno stile e ed un ritmo inconfondibili come quelli di de Giovanni. Abbiamo scritto con i gesti una storia minima, messa al servizio della narrazione: un filo sottile che sfila le parole dalle pagine e prova a farle muovere sul palco. Abbiamo provato a dare vita ad un libro amatissimo. Se ci siamo riusciti potrà dircelo solo il pubblico

con: Paolo Cresta e Ramona Tripodi
musiche: Luca Toller
disegno luci: Sebastiano Cautiero
adattamento e regia: Annamaria Russo

Il capitolo più bello delle stagioni del commissario Ricciardi: Il giorno dei morti.
Napoli, autunno 1931. Un autunno sferzato dalla pioggia. Una pioggia che non lava, ma ricopre di fango. Il commissario Luigi Alfredo Ricciardi avvia un’indagine non autorizzata sulla morte, apparentemente accidentale, di un orfano. Un’indagine che prende le mosse da un ricordo e procede a dispetto di ogni ragionevole ragione. Un’indagine che rischia di precipitarlo in un abisso di follia. Per una volta, non sarà l’ultimo pensiero della vittima a guidare i passi di Ricciardi, ma il silenzio assoluto di quel piccolo cadavere ad imporgli di inoltrarsi nuovamente nei gironi infernali delle passioni umane.
Note di regia
Il giorno dei morti é un libro spietato. Promette di portati all’inferno fin dalla prima pagina. E ti ci porta. Senza nemmeno una lusinga. Tuo malgrado. Non molla la presa, fino all’ultima riga. Devasta. Senza pietà. Tutto l’esercito dei buoni sentimenti, in rivolta sul fronte dell’ultima pagina, non riesce, però, a sconfiggere il rimpianto di essere arrivati alla fine. E non bastano, gli occhi verdi di Ricciardi, il sorriso buono di Maione, i rimbotti dolci di Rosa, la ruvida generosità del dottor Modo, né i sospiri, languidi e senza speranza, di Enrica e Livia, a sciogliere, in lacrime, quel nodo che stringe la gola.
Prendere un libro così e decidere di farne uno spettacolo teatrale è un’operazione che potrebbe avere molto a che fare con la follia. O con la sconsiderata presunzione. O con entrambe. Ma potrebbe anche avere a che fare con l’amore. Per i libri, per quel libro, per le parole che rimescolano il sangue e graffiano la coscienza. E l’amore, Ricciardi docet, è motore di ogni delitto. Nel nostro caso è stato l’amore ad uccidere prima la paura di rimettere in scena il commissario Ricciardi, poi il ritegno di smontare l’architettura perfetta del romanzo di Maurizio de Giovanni per adattarla alle esigenze teatrali, ed infine il terrore di non riuscire a restituire, su un palcoscenico, la potenza di quelle pagine.
Alla carneficina è sopravvissuto solo il desiderio di rinnovare una magia: quella della letteratura che si fa teatro. E il desiderio, talvolta, è persino più forte dell’amore.
Ci sono molti modi per mettere in scena un libro. Noi, da sempre, scegliamo quello, apparentemente, più semplice: smontarlo e ricomporlo avendo cura che la ricucitura sia così lieve da essere impercettibile. Il rispetto del testo e la teatralizzazione di parole scritte per essere lette, non recitate, rappresentano il tratto più impervio del nostro percorso. Ancora una volta abbiamo provato a procedere con il solo sostegno della scrittura scenica, consapevoli del rischio, ma determinati a non contaminare uno stile e ed un ritmo inconfondibili come quelli di de Giovanni. Abbiamo scritto con i gesti una storia minima, messa al servizio della narrazione: un filo sottile che sfila le parole dalle pagine e prova a farle muovere sul palco. Abbiamo provato a dare vita ad un libro amatissimo. Se ci siamo riusciti potrà dircelo solo il pubblico

con: Paolo Cresta e Ramona Tripodi
musiche: Luca Toller
disegno luci: Sebastiano Cautiero
adattamento e regia: Annamaria Russo

Edipo è un predestinato, al regno ed alla colpa.

Edipo Re è, quindi, anche Edipo Reo: da questo assunto parte la scelta di raccontare, attraverso il verso di Sofocle, quello che è il rapporto dell’uomo con la colpa.Edipo è costretto dagli dei a scontare una colpa precedente, quella di suo padre Laio, che aveva stuprato il giovane Crisippo, tradendo, così la, fiducia dell’amico Pelope, padre del ragazzo. È, pertanto, importante sottolineare come la mitologia greca, e quindi Sofocle, autore della tragedia, ci raccontino quello che la moderna sociologia analizza e su cui si dibatte in ambito giuridico e politico: l’influenza ambientale e familiare sui comportamenti di chi agisce fuori dalla legalità. Per questo motivo ci è sembrato particolarmente indicato giocare sin dal titolo con i termini “Re” e “Reo”, che sono legati al destino dell’inconsapevole Edipo, che diventa suo malgrado re e reo, ed abbiamo voluto raccontare il suo mito attraverso una riscrittura che, partendo da Sofocle si contamini con la violenza espressiva di Seneca.

Da millenni Edipo ripercorre la sua tragedia umana, in una sorta di thriller psicologico. In una città devastata da un cataclisma (la peste), egli vive in un’atmosfera di sospensione temporale che ne intensifica la tensione emotiva, il suo terrore per una verità rivelata gradualmente, disegnata da un destino al quale non si può sfuggire.

Indagando sulle cause di un omicidio, Edipo scopre la sua vera storia, la sua identità e, soprattutto, il sé stesso interiore, tra i ruderi di una città fantasma, scomposta come lo è la sua vita maledetta, alla cui narrazione fanno da contrappunto le musiche eseguite dal vivo da Anthony Della Ragione su percussioni a mano e i movimenti coreografici di Rossella Fusco

con: Danilo Rovani, Daniela Cenciotti, Antonio De Rosa, Salvatore Sannino, Antonio Gargiulo, Gianluca Masone, Rita Russo

Denise Capuano, Giuseppe Di Gennaro, Luca Lombardi (Coro)

Danzatrice: Rossella Fusco e la piccola Luna Fusco (allieva primo livello Movimento Danza)

Musiche eseguite dal vivo da Antony Della Ragione

Costumi e set design : Melissa De Vincenzo

drammaturgia e regia: Gianmarco Cesario

Un’epopea romantica e drammatica allo stesso tempo in cui l’autore rispolvera il ricordo del padre, un atto d’amore verso la memoria di chi ha continuato negli anni a vivergli dentro. Un viaggio struggente alla ricerca del senso della vita e delle cose. 

Liberamente tratto da “Pensare con i piedi” di Osvaldo Soriano

con: Paolo Cresta, Giacinto Piracci

La storia di un gabbiano che scopre la bellezza di librarsi nel cielo, di poter volare non per procurarsi il cibo, ma per andare alla ricerca della libertà.
Piccolo e anticonformista, il Gabbiano Jonathan Livingston, riesce ad intravedere una nuova via da poter seguire, una via che lo allontana dalla banalità e dal vuoto della vita del suo stormo, e comprende che oltre che del cibo un gabbiano vive “della luce e del calore del sole, vive del soffio del vento, delle onde spumeggianti del mare e della freschezza dell’aria…”.

con: Nico Ciliberti, Francesco Desiato e Giacinto Piracci

Per gli amanti del giallo, della sfida, del divertimento intelligente: uno spettacolo gioco che vi vedrà coinvolti dall’inizio alla fine.

Tre ore, solo tre ore per indagare e smascherare un diabolico assassino e scoprirne il movente!

La cena con delitto, è un format che primo tra tutti il Pozzo e il Pendolo ha importato dalla Gran Bretagna. Il murder party, di matrice anglosassone nasce nella seconda metà dell’ottocento, come forma di intrattenimento dell’alta borghesia. La fusione tra il teatro ed il gioco, l’utilizzo del modello d’indagine deduttivo, l’interazione tra il pubblico e gli attori, l’ossequio alla regola della credibilità rappresentano i cardini fondamentali di questa forma di intrattenimento che riscuote oggi come nel secolo scorso grande consenso del pubblico.

Le fasi dello spettacolo, cui il pubblico prende parte singolarmente o in squadra si alternano a quelle della cena in formula di buffet.

La “messa in scena” si articola intorno a differenti copioni per rendere ogni Cena con Delitto un evento unico ed indimenticabile.

E’ necessario quindi che al momento della prenotazione si forniscano indicazioni sulle nostre cene cui si è già preso parte.

Un testo tratto dagli atti di un processo del Santo Tribunale dell’inquisizione. Uno spettacolo, che parte dalla storia buia del’ 600, per raccontare la storia eterna del pregiudizio che diventa follia. Bianca è una donna sola.  Si guadagna da vivere, distillando le erbe, curando gli infermi con i rimedi naturali, imparati da sua nonna. Bianca è giovane. Bianca è bella.  Bianca s’innamora di un uomo sposato. A  Bianca  la libertà e l’amore costeranno un’accusa che é già una condanna a morte. Basta una parola sussurrata all’orecchio giusto. Basta una parola: strega, e per Bianca è la fine.
Il processo ad una strega é uno spettacolo di grande impatto scenico e enorme suggestione. Si apre con la caccia alla strega,  tra il pubblico. Dopo la cattura il processo, le deposizioni, la dolente arringa della Strega e il drammatico epilogo dell’esecuzione.

di: Annamaria Russo
con: Marianita Carfora, Antonello Cossia, Bruno Minotti, Andrea De Rosa, Ramona Tripodi,
musiche: Ensamble strumentale e vocale Musica Reservata
figuranti: Adriana D’Agostino, Fabio Todisco, Marco Opromolla, Massimo Corvino, Federica Grosso, Rita Nespoli, Romina Rega, Francesca Ciliberti, Fabiana Leonardi, Pierluigi Block, Flaminia Maria Matrone, Marco Maria Matrone e gli allievi di Alternanza Scuola Lavoro del Liceo Classico Pansini: Francesca Godorecci, Martina Grimaldi e Valentina Vittoria

Un testo tratto dagli atti di un processo del Santo Tribunale dell’inquisizione. Uno spettacolo, che parte dalla storia buia del’ 600, per raccontare la storia eterna del pregiudizio che diventa follia. Bianca è una donna sola.  Si guadagna da vivere, distillando le erbe, curando gli infermi con i rimedi naturali, imparati da sua nonna. Bianca è giovane. Bianca è bella.  Bianca s’innamora di un uomo sposato. A  Bianca  la libertà e l’amore costeranno un’accusa che é già una condanna a morte. Basta una parola sussurrata all’orecchio giusto. Basta una parola: strega, e per Bianca è la fine.
Il processo ad una strega é uno spettacolo di grande impatto scenico e enorme suggestione. Si apre con la caccia alla strega,  tra il pubblico. Dopo la cattura il processo, le deposizioni, la dolente arringa della Strega e il drammatico epilogo dell’esecuzione.

di: Annamaria Russo
con: Marianita Carfora, Antonello Cossia, Bruno Minotti, Andrea De Rosa, Ramona Tripodi
musiche: Ensamble strumentale e vocale Musica Reservata
figuranti: Adriana D’Agostino, Fabio Todisco, Marco Opromolla, Massimo Corvino, Federica Grosso, Rita Nespoli, Romina Rega, Francesca Ciliberti, Fabiana Leonardi, Pierluigi Block, Flaminia Maria Matrone, Marco Maria Matrone e gli allievi di Alternanza Scuola Lavoro del Liceo Classico Pansini: Francesca Godorecci, Martina Grimaldi e Valentina Vittoria

Cosa succederebbe se, a causa di un esperimento divino o di un insolito fenomeno naturale, Napoli per un giorno rimanesse senza forza di gravità? E’ ciò che si racconta nel testo “Per oggi non si cade”, che si propone un’analisi narrativa del malcostume napoletano nello smaltimento dei rifiuti.

Il testo è concepito come un torrenziale avvicendarsi di episodi, che vedono i cittadini napoletani sperimentarsi per un’intera giornata con un insolito fenomeno naturale, ossia la sospensione temporale della forza di gravità.

Detto fenomeno esercita sull’immaginario di tutti un incontrollabile frenesia, che si traduce in un incomposto desiderio di liberarsi di ogni cosa ritenuta superflua – in prima istanza la “monnezza” – consegnandola all’etere che, per essere finita fuori causa la caduta dei gravi, la conserverà a mezza altezza o l’affiderà al vento, dando così luogo a migliaia di improbabili aquiloni (anche umani).

In forza di questo nuovo sistema di smaltimento dei rifiuti, la città di Napoli si troverà sotto una coltre di oggetti e materiali d’ogni genere, in un carnevale di esibizioni narcisistiche, di rivolte contro ogni norma a presidio di una convivenza civile, e di altre manifestazioni dovute alla illimitata fantasia della popolazione.

Purtroppo la situazione è destinata a durare soltanto un giorno; e così, quando la forza di gravità “riprenderà servizio”, l’intera cittadinanza dovrà fare i conti con il crollo di quella eterogenea coltre venutasi a formare a causa del suo irresponsabile comportamento.

scritto da: Manlio Santanelli

diretto e interpretato da: Roberto Azzurro

«È un sabato d’agosto, 1960. Caterina ‘a pazza si aggira per le strade del quartiere con in mano una torta con una candelina. “Panna e cioccolato a vivi e muort lev’ ‘o sciat” continua a bisbigliare
ed Alice incuriosita decide di seguirla. Inizia così il suo viaggio senza tempo nel paese che è sempre esistito, che esisteva sin da prima di mai. Ad accoglierla una piccola comunità che attende con
ansia l’inizio di una festa. Nelle ore che scandiscono l’attesa, un turbinio di urla festanti, di giochi infantili, di idee sussurrate, di riti gridati e preghiere dovute, di sogni raccontati e desideri mancati, di balli, confessioni, catastrofi e canti. Alice affronta spaventata e divertita la quotidianità delirante di quel paese lontano lontano. E i suoi ricordi riaffiorano, le storie si mescolano e ritornano le favole narratele dal padre. “Na favola è comme a na preghiera e nu scrittore è comme a nu Dio. E se ci credi veramente nu segreto r’ ‘a vita te rivela.” È nella fede costante che riponiamo in un sogno o in una favola la dimostrazione concreta della loro esistenza. E Alice si ritrova a scontrarsi con la veridicità di questo assunto. Col corto circuito di una realtà dominata proprio dalle dinamiche di quei sogni e di quelle favole che, mischiandosi a quelle della vita reale, ne stravolgono il senso, lo sintetizzano, lo enfatizzano. Dal cielo piovono saluti, un cane è il
messaggero di Dio, la guerra dura quanto una canzone e tanto altro è possibile nell’onirica danza tra prosa e poesia consumata nel paese di chi se ne va. Tutta questa tempesta di suoni, parole ed
immagini inonda la piccola Alice che, solo dopo aver affrontato l’intero viaggio, solo dopo aver attraversato paure e memorie, fantasie e silenzi potrà partecipare alla festa tanto attesa dagli
abitanti del luogo.
Una ballata di voci e di corpi. Una ricostruzione di fatti irrealmente avvenuti. Quel girotondo tribale ed eterno in cui la vita e la morte, tenendosi per mano, ostinate girano disperatamente e
gioiosamente assieme. “E sulo int’ all’uocchie dei cani, dei pazzi e dei poeti si riesce a spià na briciola ‘e memoria di tutto questo immenso e insensato girare”».

di: Francesca Muoio
con: Anna Carla Broegg, Marianita Carfora, Cesare D’Arco, Morena di Leva, Valeria Frallicciardi, Francesca Muoio, Davide Paciolla, Antonio Perna, Enrico Sortino, Luca Trezza
musiche: Edoardo Simeone
regia di: Francesca Muoio

Una pièce teatrale. Due soli personaggi ed un abile, intrigante gioco di identità. Perché, come l’autore vuole farci intendere, chiunque può essere chiunque e, soprattutto,
chiunque può immaginare di essere chiunque.
Londra. Prestigioso hotel cittadino. Cico un ricco uomo d’affari , è nella sua stanza. Apre la porta ad una donna. Lei è Raquel. Dice di essere la sorella del suo antico amico Paulo. Una donna piacente ed affascinante che giunge improvvisamente: Ho visto sul Financial Times che eri qui, per questa riunione. E all’improvviso ho avuto voglia di vederti, di ascoltare la tua voce.
Cico e Paulo erano stati grandissimi amici. Si erano conosciuti a scuola, , e per anni avevano condiviso la loro vita. Poi un episodio, un pugno sferrato da Cico a Paulo li aveva allontanati, senza una parola, senza riconciliazione. Trentacinque anni di nulla e poi l’arrivo di Raquel. Sorella del suo amico. Ma Cico non l’ha mai vista, non ha mai sentito parlare di lei, non ha mai saputo che esistesse. Chi è?
Lei conosce dettagli essenziali del rapporto di amicizia tra Cico e Paulo. Descrive parole, luoghi, ricordi. Troppi. Dice di averli appresi da suo fratello ma Cico non sa crederle: “ Non me la bevo! Anzi, guarda: non credo a una sola parola di quello che hai detto. Ho molti difetti, ma non sono fesso. Non è facile raccontarmela, te lo assicuro.”
La verità. Ecco cosa vuole Cico. Perché quella donna è lì, davanti a lui? Perché gli sta raccontando tutte quelle storie?
Poi l’uomo capisce da sé. Ci sono pause di disagio
Rimandi di confessioni, ricordi, lettere mai spedite e rimproveri. Poi una musica sentimentale, come un’apertura nuova, immaginifica. Il teatro è moltiplicazione di tempi, di finzioni. Anche se apparentemente verosimili. Senza dubbio la scena teatrale è lo spazio privilegiato per rappresentare la magia di cui è intessuta anche la vita della gente: quell’altra vita che inventiamo perché non possiamo viverla davvero, ma solo sognarla grazie alle splendide menzogne della finzione.

con: Marcella Vitiello e Roberto Cardone
regia: Niko Mucci

Ci sono solo tre luoghi. Qui . Il Sotto. E il Sopra.

Napoli non è una città come le altre.

Napoli non è neppure una città sola.

Perché sotto quella che conosciamo ce n’è una sotterranea, nascosta agli occhi del mondo, con il buio al posto della luce. Marco Di Giacomo l’aveva intuito, un tempo, quando era un brillante antropologo e aveva un talento unico nell’individuare collegamenti invisibili tra le cose.

Poi qualcosa non ha funzionato e ora, ad appena quarant’anni, non è altro che un professore universitario collerico e introverso, con unsolo amico, il suo impacciato ma utilissimo assistente Brazo Moscati. Considerati folli per le loro accanite ricerche sui culti antichi, i due sono costante oggetto dell’ironia di colleghi e studenti. Perciò nessuno si meraviglia quando il direttore del loro dipartimento li spedisce a fare da balie a una giornalista tedesca venuta in Italia per scrivere un pezzo sensazionalistico sui luoghi simbolo dell’esoterismo.

Per liberarsi della seccatura, Marco chiede aiuto a sua nipote Lisi, ricercatrice anche più geniale dello zio ma con una preoccupante passione per le teorie complottiste, dal carattere indisponente. I quattro s’imbatteranno in  qualcosa di terribile  che emerge nell’oscurità delle gallerie napoletane: cadaveri, segnali strani che conducono ad un passato mai emerso. Una verità che forse avevamo davanti da sempre e non abbiamo mai voluto vedere. Forse qualcuno ha lasciato lì un messaggio per loro, forse quel giro nei sotterranei non avrà un esito positivo e allora l’unica missione di Marco sarà uscire sani e salvi da quella trama di misteri, portando con se la giornalista e la sua terribile e adorata nipote.

​Note di regia

Uno degli ultimi soli di Dicembre è ormai calato sulla città. Il Natale è ormai alle porte ed esplode in città con le luci colorate ed i pastori di San Gregorio Armenio.

Ma, per qualcun altro, non sono semplicemente i giorni che precedono il Natale.

Sono i giorni del Solstizio d’ Inverno.

La tentazione di mettere in scena questo romanzo nasce dall’esigenza di raccontare in termini drammaturgici e visivi  una storia che parla di una realtà allo specchio. La  fantascienza e l’esoterismo si mescolano con la storia e il mito di questa città antichissima . Una realtà capovolta, che mostra una Napoli inedita che, nel sottosuolo tufaceo, svela un’intera altra città che nessuno sa quanto sia estesa.

E poi c’è il rapporto di Napoli con il fuoco. Nelle sue viscere scorre la lava.

Solo Maurizio de Giovanni poteva scrivere questo romanzo che nasce dalla conoscenza profonda di una città e della sua gente ma si spinge molto più lontano con i suoi personaggi profondamenti  umani  anche quando sembrerebbero non esserlo per  niente.

di: Maurizio De Giovanni
con: Raffaele Ausiello, Marianita Carfora, Bruno Minotti, Marco Palumbo, Peppe Romano, Ramona Tripodi, Letizia Vicidomini, Adriana D’Agostino
e la partecipazione di: Maurizio De Giovanni
adattamento e regia: Ramona Tripodi

produzione: Inbilicoteatro/L’Asilo

Per gli amanti del giallo, della sfida, del divertimento intelligente: uno spettacolo gioco che vi vedrà coinvolti dall’inizio alla fine.

Tre ore, solo tre ore per indagare e smascherare un diabolico assassino e scoprirne il movente!

La cena con delitto, è un format che primo tra tutti il Pozzo e il Pendolo ha importato dalla Gran Bretagna. Il murder party, di matrice anglosassone nasce nella seconda metà dell’ottocento, come forma di intrattenimento dell’alta borghesia. La fusione tra il teatro ed il gioco, l’utilizzo del modello d’indagine deduttivo, l’interazione tra il pubblico e gli attori, l’ossequio alla regola della credibilità rappresentano i cardini fondamentali di questa forma di intrattenimento che riscuote oggi come nel secolo scorso grande consenso del pubblico.

Le fasi dello spettacolo, cui il pubblico prende parte singolarmente o in squadra si alternano a quelle della cena in formula di buffet.

La “messa in scena” si articola intorno a differenti copioni per rendere ogni Cena con Delitto un evento unico ed indimenticabile.

E’ necessario quindi che al momento della prenotazione si forniscano indicazioni sulle nostre cene cui si è già preso parte.

Una storia d’amore straniante, sullo sfondo dell’isola d’Ischia. Il mare, la musica, le voci dei pescatori e quelle più lontane di una guerra finita da poco: l’affresco di un’ epoca e di un’ età difficili.

Quando meno te lo aspetti. Un odore, un riverbero di luce, due occhi. E’ un pugno dritto alla bocca dello stomaco. Da lasciarti senza fiato. Quando i conti con la vita credevi di averli saldati tutti. Accade. Un odore, un riverbero di luce, due occhi. Identici. Sembra una beffa del destino. Ma la pellicola della memoria ricomincia a scorrere. E graffia l’anima. Di nuovo.Come allora. Ci sono occhi che ti restano dentro. Inesorabili. Per sempre. Poi un giorno li ritrovi. Magari su un altro volto. Magari in un’altra vita. Ti ci smarrisci dentro come allora. E ricomincia il viaggio verso un nuovo addio.

Tu mio è una corsa a perdifiato verso la fine di un amore senza fine. E’dolore stretto dentro i pugni di una vita che non lascia alternative. E’ la voglia di riscrivere una storia con l’incoscienza della giovinezza. E’ il desiderio disperato di riscattare la morte con l’amore. Tu mio è una storia d’amore struggente. E’ il suono della risacca, l’odore del mare, il cuore che batte in gola. E’ l’emozione di un bacio che sa di lacrime, è una guerra appena finita che ancora brucia dentro. E’ l’estate di un giorno remoto in bilico su un precipizio di sentimenti.
La scelta di mettere in scena di Tu mio parte da un ricordo. Da quella malinconia dolce che ti scivola addosso quando spalanchi una porta del passato. Il racconto di Erri De Luca ha funzionato da chiave. Le sue parole asciutte, ruvide, che non concedono mai nulla alla facile commozione, hanno forzato la serratura che custodiva memorie di un tempo lontano, eppure più vivido del presente. Con un testo così, o cedi allo sfogo scomposto del pianto, o provi a canalizzare quel torrente di emozioni in un viaggio lacerante al centro di un’età che continua a viverti dentro e che chiede prepotentemente di essere ascoltata, assolta e riconsegnata alla pace del rimpianto. Prendere in prestito la storia di altri per riconciliarsi con la propria: un esorcismo vecchio come il mondo, che anche questa volta sembra aver funzionato…

di: Erri de Luca
con: Nico Ciliberti, Giacinto Piracci
regia: Annamaria Russo

Una storia d’amore straniante, sullo sfondo dell’isola d’Ischia. Il mare, la musica, le voci dei pescatori e quelle più lontane di una guerra finita da poco: l’affresco di un’ epoca e di un’ età difficili.

Quando meno te lo aspetti. Un odore, un riverbero di luce, due occhi. E’ un pugno dritto alla bocca dello stomaco. Da lasciarti senza fiato. Quando i conti con la vita credevi di averli saldati tutti. Accade. Un odore, un riverbero di luce, due occhi. Identici. Sembra una beffa del destino. Ma la pellicola della memoria ricomincia a scorrere. E graffia l’anima. Di nuovo.Come allora. Ci sono occhi che ti restano dentro. Inesorabili. Per sempre. Poi un giorno li ritrovi. Magari su un altro volto. Magari in un’altra vita. Ti ci smarrisci dentro come allora. E ricomincia il viaggio verso un nuovo addio.

Tu mio è una corsa a perdifiato verso la fine di un amore senza fine. E’dolore stretto dentro i pugni di una vita che non lascia alternative. E’ la voglia di riscrivere una storia con l’incoscienza della giovinezza. E’ il desiderio disperato di riscattare la morte con l’amore. Tu mio è una storia d’amore struggente. E’ il suono della risacca, l’odore del mare, il cuore che batte in gola. E’ l’emozione di un bacio che sa di lacrime, è una guerra appena finita che ancora brucia dentro. E’ l’estate di un giorno remoto in bilico su un precipizio di sentimenti.
La scelta di mettere in scena di Tu mio parte da un ricordo. Da quella malinconia dolce che ti scivola addosso quando spalanchi una porta del passato. Il racconto di Erri De Luca ha funzionato da chiave. Le sue parole asciutte, ruvide, che non concedono mai nulla alla facile commozione, hanno forzato la serratura che custodiva memorie di un tempo lontano, eppure più vivido del presente. Con un testo così, o cedi allo sfogo scomposto del pianto, o provi a canalizzare quel torrente di emozioni in un viaggio lacerante al centro di un’età che continua a viverti dentro e che chiede prepotentemente di essere ascoltata, assolta e riconsegnata alla pace del rimpianto. Prendere in prestito la storia di altri per riconciliarsi con la propria: un esorcismo vecchio come il mondo, che anche questa volta sembra aver funzionato…

di: Erri de Luca
con: Nico Ciliberti, Giacinto Piracci
regia: Annamaria Russo

E’ la notte del 22 marzo del marzo 1771. La notte in cui il più grande studioso, filosofo e alchimista di Napoli morrà. Raimondo de Sangro, il Principe di Sansevero è chino sul suo tavolo da lavoro, ingombro. Alambicchi, ampolle. Un calice. Alle sue spalle, un’ombra. Il profilo di Giuseppe Sanmartino. L’uomo che scolpì il Cristo Velato.E’ la notte del 22 marzo 1771. La notte delle rivelazioni, dei segreti….

Il Principe di Sansevero e Giuseppe Sanmartino si sono conosciuti ad una festa di corte, alla fine del 1752. Quando il Principe lo incontra per la prima volta lo scultore è pressoché sconosciuto. Secondo quanto riporta uno dei suoi maggiori biografi, Elio Catello, il Sanmartino fino a quel momento aveva realizzato una sola commessa per la città di Monopoli. L’ incontro con Raimondo de Sangro segna dunque una svolta nella vita del giovane. Naturalmente sono ancora oscuri i motivi per i quali il Principe decide di affidare il Cristo Velato ad un artista così sconosciuto. All’opera o meglio al progetto dell’opera, aveva lavorato il Corradini e tutta la “scuola” di scultori che ruotava intorno alla cappella e al Principe. Con un colpo a sorpresa, però, don Raimondo decide di affidare il lavoro proprio a Sanmartino che nel 1753 ha solo 33 anni. E’ storicamente accertato anche il documento notarile con il quale Sansevero “incastra” Sanmartino. Nulla , invece, si sa rispetto al motivo per il quale lo scultore decide di abbandonare il Principe subito dopo la realizzazione del Cristo Velato. Solo alcune leggende segnalano una serie di incontri misteriosi tra i due uomini. su queste leggende.

Dall’ipotesi di un ultimo incontro segreto tra questi due uomini, le cui vite erano legate insieme dal filo indistruttibile dell’arte, prende le mosse questo spettacolo. Dall’idea di un redde rationem tra due personalità enormi, di una spietata partita a scacchi la cui posta in palio fosse la morte o l’immortalità.

con: Marco Palumbo e Andrea De Rosa
di: Annamaria Russo

«Per me “Il canto della Sirena” rappresenta ciò che Napoli mi ha trasmesso attraverso la sua musica, fondamentale per la mia formazione artistica e la mia carriera attraverso la collaborazione con i grandi Maestri citati e l’amore per la tradizione. In particolare  il mio omaggio a Carlo D’Angiò, musicista contemporaneo, scomparso di recente, che ha lasciato un segno profondo nella mia anima.» (Fiorenza Calogero)

Musiche di Avitabile, Bennato, D’Angiò, De Simone, Faiello, Viviani e della Scuola Napoletana.

con:

Fiorenza Calogero, voce e tamburi a cornice

Marcello Vitale, chitarra battente

e la pittura estemporanea di Susy Saulle

Spoon River é un villaggio divenuto piccola opera d’arte visiva. Uomini e donne che furono, raccontano le lor0 vite, i  sogni, le  peregrinazioni,  gli istinti  i  rimpianti, le sconfitte attraverso epitaffi su fredde lapidi.

La morte che parla alla vita: le scritte incise nelle lapidi marmoree raccontano un caleidoscopio di personaggi che insieme tessono una  storia . La storia di tutti e di ciascuno. La storia della vita che negli anni si ripete,  sempre uguale e sconfortante nella sua condivisa banalità.

Una serie di destini che formano assieme un unico grande destino, quello dell’uomo nei secoli dei secoli

con: Paolo Cresta e Carlo Lomanto
di: Edgar Lee Masters